ACHIM ZEMAN

Achim Zemans Raumkonzepte liefern gleich mehrere Dimensionen vom Raum, wobei sicherlich die Tatsache, dass er den vorgefundenen Raum „verfremdet“ und nicht vollkommen „verändert“ sein besonderer künstlerischer Verdienst ist. Dadurch bleibt die Grundstruktur, das Substanzielle des ursprünglichen Raumes, auch in seiner temporären Verfremdung deutlich, und zugleich bewirkt diese „VerFremdung“ ein neues Wahrnehmen, ein GeWahrwerden von Strukturen und Zusammenhängen, die in ihrer Transparenz durch die sie überlagernde Arbeit von Achim Zeman deutlich zutage tritt.“

Auszug aus dem Text „Über den Leichtsinn“ von Dr. Beate Reifenscheidt anlässlich der Ausstellung „Leichtsinn“, Galerie Bernd A. Lausberg, Düsseldorf, 2004

RITA ROHLFING

IN A STATE OF FLUX

Rita Rohlfing und Achim Zeman.

Ausstellungen von Rita Rohlfing und Achim Zeman sollten am besten mit einem Warnhinweis versehen werden: Vorsicht, diese Kunst verändert Ihre Wahrnehmung! Vertraute Ausstellungsräume in unbekannte Orte verwandeln, die Wahrnehmung der Betrachter tiefgreifend irritieren, die Orientierung im Raum aushebeln – das sind einige der Wirkungen, die den ortsspezifischen Installationen dieser beiden Künstler gemeinsam sind. Rita Rohlfing und Achim Zeman, beide in Köln zuhause, haben mehrfach gemeinsam an Gruppenausstellungen teilgenommen, doch die große Nähe ihrer künstlerischen Grundauffassungen verlangt nach einer Zweierpräsentation, in der ihre Arbeiten eng aufeinander abgestimmt werden. Die Basis dafür ist erstens ihr gemeinsames Interesse an Farbe und Farbwirkung, ihre Verwurzelung im Feld der Farbmalerei. Ebenso wichtig aber ist zweitens, dass beide Künstler ihre Auffassung von Malerei über die Jahre hin konsequent in den realen Raum hinein erweitert haben. Dieser Schritt war jeweils dem Wunsch nach einer intensiveren Kommunikation mit den Betrachtern geschuldet, die ihre Kunst nicht nur visuell erfassen, sondern mit dem ganzen Körper im Raum erleben sollten.

Bei aller Übereinstimmung zwischen beiden gibt es doch auch spezifische Unterschiede, was ihre Herangehensweise betrifft. Rita Rohlfings Installationen erzielen ihre Wirkung, indem sie den Betrachtern bewusst Information vorenthalten. In ihren Rauminstallationen und Acrylglasobjekten registriert man veränderliche Farbphänomene, deren Ursache jedoch dem Auge verborgen und somit unerklärlich bleibt. Es ist die Immaterialisierung und Verrätselung des Raumes, was sie interessiert und sie erreicht dies durch installative Eingriffe in den Realraum selbst. Achim Zeman hingegen arbeitet ausschließlich an den Oberflächen gegebener Räume, die er mit zahllosen geplotteten Formen aus Klebefolie überzieht und damit visuell transformiert. Bei ihm liegen alle Parameter offen zutage – und dennoch glaubt der Betrachter pulsierende Bewegungen an den Wänden und Krümmungen des Raumes zu sehen. Die illusionistischen Wirkungen, die Zeman erzielt, beruhen darauf, dass unsere Wahrnehmung grundsätzlich täuschbar ist. Die Zugangsweisen der beiden Künstler ergänzen einander insofern komplementär, als Rohlfing zeigt, dass wir nicht alles verstehen, was uns umgibt, Zeman hingegen, dass unser kognitiver Apparat trotz besseren Wissens seine eigene Realität hervorbringt. In beiden Ansätzen steckt ein aufklärerischer Impuls, denn sie zeigen uns modellhaft, wie wir „Wirklichkeit“ erleben, aber auch selbst konstruieren, und plädieren zugleich dafür, unsere Wahrnehmung stets zu hinterfragen und unsere Sinne neu zu justieren, um uns in einer immer komplexer werdenden Lebenswelt zurechtzufinden.

Peter Lodermeyer

ULRIK HAPPY DANNENBERG

Mit nicht ironischer Pracht tun sich viele schwer. Es riecht ja nach Kitsch und ist es vielleicht auch: Es spricht uns höchst direkt an. Wenn man über Dannenbergs Kunst spricht, darf man über den Konsum und den Supermarkt reden, keine Frage, da kommen die Motive her, aber man sollte aufpassen, dabei die Schwerpunkte nicht zu verwechseln. Es ist – so würde ich hier heute behaupten – zu allererst ein opulentes visuelles Werk, mit einigen Querverweisen auf unsere Konsumwelt. Es sind aber vor allem Objekte, die unbedingt gesehen werden müssen.
Arie Hartog

MIKE CLOUD

Mike Cloud is a painter who builds irregularly shaped canvases that wed the frame and painted surface into a woven whole through sculptural strategies. By combining his conceptual approach with a material richness and a sensual handling of wet-into-wet technique, Cloud reveals the range of significations connected to shapes, surfaces and symbols in an infinitely malleable, direct and forcefully abstract mode …

Cloud uses abstraction to offer the viewer an aesthetic account of individuality, death and the empathic space of communion in absence of the political mechanisms of personal, racial, cultural and gendered identification.

Mike Cloud:  "This is a continuation of my investigation into abstract approaches to portraiture and the subject of bodily suffering in the victims of chance, crime and the state. Through shattered constructions, bold color and painterly surfaces, I attune the aesthetics of my expressionistic painterly treatment to the particular key of collective consciousness and mourning.

I feel this is an important project because the most radical challenge to the modernist conception of ‘personal’ or expressive art making is the contemporary conception of ‘identity’ where in all subjects are considered as primarily a set of intersectional political coordinates larger than themselves. Likewise the greatest provocation to the concept of Western liberal democracy is the seaming impossibility of meeting the demands of the victims of chance, crime and political injustice.”

TILL AUGUSTIN

1951 geboren in Bernried am Starnberger See, beginnt Till Augustin 1981 seine künstlerische Arbeit mit Studien und Experimenten in verschiedenen Materialien und Techniken. Der Autodidakt widmet sich vorwiegend der Bildhauerei und beginnt 1985 erste Experimente mit großen Skulpturen. 1992 wird Till Augustin in den Berufsverband Bildender Künstler aufgenommen, seit 2012 ist er Mitglied der Darmstädter Sezession. Zahlreiche Ausstellungen in Belgien, Dänemark, Deutschland, Frankreich, Italien, Österreich, Slowakei, Schweden und der Schweiz.
Till Augustin lebt und arbeitet in Nürnberg.

VITA

1981 Beginn der künstlerischen Arbeit, Studien und Experimente in verschiedenen Materialien und Techniken

Der Autodidakt widmet sich überwiegend der Bildhauerei

1985 Erweiterung des Ateliers um eine kleine Werkhalle und erste Experimente mit großen Skulpturen

1992 Aufnahme in den Berufsverband Bildender Künstler

2012 Mitglied der Darmstädter Sezession

Zahlreiche Ausstellungen in Belgien, Dänemark, Deutschland, Frankreich, Italien, Österreich, Slowakei, Schweden, Schweiz und USA

BODO KORSIG

Korsig lebt und arbeitet in Trier und New York. Er studierte Bildhauerei und Steinrestaurierung in Berlin.

Korsig arbeitet darüber hinaus als Bildhauer, Fotograf, Bühnenbildner und Video-Künstler.

Neben Skulpturen und Installationen führte er zahlreiche Projekte im öffentlichen Raum aus, unter anderen die Arbeit „State of Mind“ (2012) am Erbeskopf (Rheinland-Pfalz) oder die Installation "Connecting the dots – Challenge the status quo" (2018) im Hsinchu Science Park in Taiwan.

Im Laufe seiner Karriere produzierte der Künstler über 40 limitierte Künstlerbücher, die in Zusammenarbeit mit internationalen Schriftstellern wie John Ashbery (USA), Peter Wawerzinek (DE), Paul Auster (USA) oder Akira Tatehara (JPN) entstanden.

Bodo Korsig
1962 in Zwickau geboren
1986-90 Studium Steinrestaurierung FWG Berlin

Preise, Stipendien

1992 Kunstpreis des Landkreises Trier-Saarburg
1995 Ramboux-Preis, Trier
1995 Stipendium Hertogenbusch, Niederlande
Kunststation Kleinsassen
1996 Stipendium Kunstfonds, Berlin
1997 Kunstpreis 1997 Holzschnitt, Ludwigsburg
1998 Franz-Josef-Spiegler-Preis
1999 Stipendium Künstlerhaus Lukas, Ahrenshoop
Internationales-Studio-Programm, New York
2003 Max Kade Foundation, Grant / USA
2004 Stipendium Schloss Wiepersdorf
Grand Prix 4th International Triennial Prague 2004
2005 Art/Omi, New York
2007 Kunst: Raum Sylt Quelle
2012 Artist Residency Inside-Out Art Museum Beijing, China
2013 Artport Kunstpreis
2014 Bauinstitut Otranto, Italy
2015 Artist Residency Largo das Artes Rio de Janeiro, Brazil
Jozi Art:Lab Johannesburg, Südafrika
2017 CCA Andratx, Spain

ELISABETH MEHRL

In ihrer konzeptionellen Malerei verhandelt Elisabeth Mehrl seit vielen Jahren unsere Sehnsucht nach dem Schönen, nach Sinnlichkeit und Fülle. Als Bildmotive verwendet sie überdimensional große Schmuckstücke – in höchst aufwendigem Malprozess gefertigt. Konsequent inszeniert Mehrl in ihrer Malerei das Moment des auratischen Aufgeladenseins, indem sie ihre Bildgegenstände jedes konkreten Kontextes entkleidet und sie ohne alles erzählerische Beiwerk präsentiert. Die zur Kette geknüpfte Perle spielt dabei eine besondere Rolle. Perfekt verkörpert sie Vollkommenheit und Reinheit; sie steht für Unendlichkeit und ist seit jeher ein Symbol für Schönheit und Luxus. Damit stellt Elisabeth Mehrl ein gewichtiges Ikon in den Mittelpunkt ihrer Arbeit – inhaltlich aufgeladen und verknüpft mit vielen, geradezu archetypischen Bedeutungszuschreibungen. Dass Perlen und kostbare Schmuckstücke auf so vielfältige Weise symbolträchtig sind, macht Mehrl Bilder nur umso spannender.

In Mehrls Bildern geht es aber nicht nur um eine inhaltliche Argumentation, sondern ebenso um Fragen an die Malerei. Letztere werden entweder direkt im einzelnen Bild zur Sprache gebracht, oder durch kombinatorische Verfahren thematisiert, die seit langem zum festen Bildvokabular der Künstlerin gehören. So begegnen uns in vielen Bildern Paarungen aus einer Kombination realistischer Abbildung und ungegenständlicher, auch ornamentaler Strukturen bzw. Muster. Der Wechsel zwischen Flächigkeit und Plastizität, aber auch Fragen nach Raum und Zeit spielen in diesen Bildern ebenso eine Rolle wie das Austarieren von Illusionismus und Vorstellungsbild sowie das Offenlegen der malerischen Mittel. Mehrls illusionistisch dargestellte Schmuckstücke vermitteln einen intensiven Effekt der bewussten Täuschung. Gerade dort, wo das Malerische relativ markant aufscheint, wo Plastizität erzeugt wird, die durchaus offensichtlich als Pinselstrich und Farbe in Erscheinung tritt, wirkt die Blendung verblüffend direkt – runde Perlen und arabeskenhafte Gebilde sind überwältigend präsent und führen von der Miniatur oder der minutiösen Detailliertheit zur großen Geste. So kommt die Künstlerin in vielfacher Weise zu Bildern voller subtiler Anspielungen über die Natur des schönen Scheins.

JÜRGEN PAAS

Jürgen Paas schafft Kreise, Rechtecke, Quadrate, Kuben und übersetzt sie in ein offenes Malereisystem, das Einzelaspekte wie Farbe, Form und Raum befragt. Hierbei verbindet er Systematik und Ordnung mit Zufall und Regellosigkeit, die sich in einer äußerst variantenreichen und sinnlichen Materialmalerei äußert. Auf die Wand gemalte, geklebte und montierte verschiedenfarbige Figurationen stehen im Dialog mit den darauf oder daneben platzierten Archivsystemen aus Halterungen, Farbtafeln oder Farbbändern. Das Zusammenspiel regelmäßiger geometrischer Formen suggeriert einen rhythmischen Raumklang, der im Kontext synästhetischer Wahrnehmung ein polyphones Gesamtkunstwerk zur Anschauung bringt.

VITA

Jürgen Paas, 1958 in Krefeld geboren, lebt und arbeitet in Essen.

Nach dem Studium an der Hochschule Essen bei László Lakner, Rudolf Vombek, Friedrich Gräsel und Franz Rudolf Knubel in den Jahren 1981–87 studierte er 1991–92 an der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris bei Jan Voss. Von 1995 bis 2002 lehrte er Bildnerische Experimente an der Hochschule Essen. Im Jahr 2001 erhielt er einen Lehrauftrag für Malerei am Institut für Kunst und ihre Didaktik an der Universität Dortmund. In den Jahren 2002–2003 hatte er eine Professur für Malerei am Institut für Kunst und Kunsttheorie an der Universität zu Köln inne. Seine Werke sind in zahlreichen Einzel-, Gruppenausstellungen und Kunstsammlungen weltweit vertreten. Er lebt seit 1983 in Essen.

DIRK SALZ

Dirk Salz ist in seiner Kunst mit Farbmalerei befasst wie ein klassischer Maler,  wenngleich er wie ein Bildhauer arbeitet und das Bild als gestaltetes Volumen vollendet. Schicht für Schicht entwickelt er aus der Materialität seiner unterschiedlichen Werkstoffe mit Pigmenten,  Harzen, Aluminium oder Holz Bildobjekte, deren innere Unendlichkeit, Farbe und Licht sich gleichermaßen in einem Dialog mit den Betrachtern intensivieren.

Dirk Salz grundiert seinen Bildträger, der in der Regel aus Holz- oder Aluminiumplatte besteht, meist schwarz und legt dann die pigmentierten Harzschichten sukzessive darüber, so dass sich die Farbigkeit vom Dunkel ins Licht aufbaut und so ein ganz natürliches Erscheinungsbild aufweist. Die letzte obere Schicht wird in der Regel transparent und stark glänzend gestaltet und ist die Schwelle des Betrachters zum Eintritt ins Bild und zur Spiegelung seiner selbst. Diese Spiegelungen sind auch untrennbar mit dem Werk selbst verbunden und zeigen in einem sehr ambivalenten Gesamtspiel das Licht als einen eminent wichtigen Aspekt in den Erscheinungsformen dieser Arbeiten. Oftmals können durch den seitlichen Lichteinfall sogar radiale Strahlen von den Bildrändern ausgehen, die an die Wand geworfen sind, so dass das Bild sich über sein eigentliches Format hinaus in den Raum ergießt.

Die Verwendung von pigmentierten Harzen gibt der Farbigkeit einen stofflichen Umraum, in dem das einzelne Pigment umschlossen wird und dadurch wie ein Reflektor für das Licht wie für den betrachtenden Blick fungiert. Die farbtragenden Partikel schweben gleichsam in dem semitransparenten Trägerstoff Harz und bauen so einen dreidimensionalen Luftraum im Bildkörper auf, der mit Farblicht erfüllt erscheint. Die Verwendung dieser zwar sehr transparent aber auch undurchdringlich festen Stofflichkeit der Harze führt aber auch dazu, dass sich die Arbeiten in sich selbst verschließen und so mit dem Rezipient in einen Dialog treten, in dem der Betrachter sich selbst fast als Bestandteil der inneren Farbsemantik gespiegelt und eingetaucht sieht. Die Werke werden zu hermetischen Farbbatterien, die in sich das Potential tragen, Farbigkeiten in ihrer Komplexität zur Anschauung zu bringen.

Die Auswahl der Materialien erfolgt immer unter seiner sehr strengen und reduzierten Sicht auf Oberflächen, auf graduelle Differenzierungen, auf farbliche Reduktionen und speist sich nicht aus dem Gegensatz von Stoffen und Oberflächen sondern eher im Gegenteil: die Materialien geben ein sehr subtiles Credo für einen gestalterischen Minimalismus, der ein Maximum an Prozessen in Zeit und Raum deutlich werden lässt.

Die Oberflächen der Bildgestaltungen von Dirk Salz wirken aus der großen Distanz sehr homogen und von nahezu kühler Präsenz. Erst in der Nähe durch Annäherung an die Bildobjekte selbst werden die unterschiedlichen Schichten und Überlagerungen im Innern offenbar. Dann in der unmittelbaren Nähe zur Oberfläche entwickelt sich eine Sogwirkung ins Innere der Bilder, die die unterschiedlichen Strukturen von Malerei gleichsam reflektieren, ohne sie unmittelbar preiszugeben.

Faszinierend ist in der Anschauung, dass die Technik des Aufeinanderschichtens und der Ausbildung eines dreidimensionalen Farbraumkörpers einhergeht mit einer absolut reduzierten Dichte und Dicke der einzelnen Farbschichten, die in Lasuren und in vielen Überlagerungen sich zu einem solchen inneren Körper aufbauen. Dazu werden Teile des Bildes abgeklebt, die im nächsten Arbeitsgang mit nicht pigmentiertem Harz gefüllt werden und so Räume reinen Lichtes im Inneren der Komposition schaffen. Das komplexe Netzwerk von farbigen Flächen und Formen mal transparenter, mal dichter in den sie überschneidenden Schichten ist alles andere als zufällig. Die Anzahl der erforderlichen Schichtungen, die Materialien, die Farbigkeiten und die Abfolge der Flächen untereinander sind vorab präzise geplant und angelegt. Arbeitsgänge und Richtungen sind komplex und erweisen sich als Prozesse einer zeitlichen Verdichtung.

Farbe, das lehrt uns auch die Natur, ist weniger eine Qualität der Oberfläche, sondern eine  Beschaffenheit der Objekte und ein Zustand, der für mehr zutrifft als nur für die oberste Schicht. Farbe als Wahrnehmungsphänomen ist auch eine Erfahrung im Raum, die sich nicht an der Oberfläche sondern im Raum zwischen dem Objekt der Betrachtung und dem Betrachter selbst vollzieht.

Wenn ich den Begriff „Farbraumkonstruktion“  für die Arbeiten von Dirk Salz in Anwendung bringe, so erinnere  ich mit diesem Wort auch bewusst an die Arbeiten von Gotthardt Graubner, der den Begriff des Farbraum­körpers geprägt hat. Der Begriff  ist gebildet aus Farbraum und Körper und verbindet in dieser Zusammensetzung scheinbar Gegensätzliches. Farbräume, so lehrt es die Seherfahrung, sind ihrer Natur nach nicht messbar, im Gegensatz von Körpern. In diesem Sinne können Farbräume selbst nie Körper darstellen und Körper selbst nur unzulänglich Farbräume gerieren. Graubner vermittelt in seinen – allerdings auf Nessel und Stoff mit Farbe gemalten – Farbraumkörpern das, was Max Imdahl als „unabschließbare Erfahrung einer nicht erschließbaren Erscheinung“ definiert hat. Statt Farbraumkörper sei bei Dirk Salz der Begriff der Farbraumkonstruktion verwendet, denn seine Schichtungen sind auch innerbildbliche Architekturen, die den Raum nicht nur erweitern sondern das Sehen auch strukturieren.

Dr. Gabriele Uelsberg  – im August 2021

VITA

Geboren 1962 in Bochum
Lebt und arbeitet in Mülheim an der Ruhr
1982 bis 1988 Ingenierustudium an der RWTH Aachen
1988 bis 2001 künstlerische Praxis begleitet von mehreren Künstlern (Prof. H.J. Keyenburg, Ernst Insam, FRiedebert Reihl)
Freiberuflich als Künstler tätig seit 2002

Einzelausstellungen (Selektion)

2020   ‘Beyond’, Galerie Obrist, Essen
‘Slow Paintings’, Galerie Löhrl, Mönchengladbach
2019   ‘Light Poems’, Galerie Roger Katwijk, Amsterdam (NL)
DIRK SALZ, Kunstverein Münsterland (D)
‘Tendenzen zur Klarheit’ – mit Uli Pohl, Galerie am Lindenplatz, Vaduz (FL)
2018   ‘Painting the Absolute’, Galerie Obrist, Essen (D)
‘Dirk Salz/Loris Cecchini’, Diana Lowenstein Gallery, Miami  (US)
2017   ‚Novum Spatium’, Jankossen Contemporary, New York (US)
‚Infinite’ Galerie Roger Katwijk, Amsterdam (NL)
‚Wahrnehmung, Zeit, Zufall und Regel’ Galerie Kunstraum 21, Bonn (D)
‚Layers’ mit Angela Glacar, Galerie Heitsch, München (D)
‚reflective’, Galerie Löhrl, Mönchengladbach (D)
‚reflective’ Galeria Victor Lope, Barcelona (ESP)
2016   ‚RESIN’ neue arbeiten, Galerie Feurstein, Feldkirch (A)
‚Unlimited’,  Galerie Lausberg, Düsseldorf
Malerei – Zeichnung – Objekt, Galerie Kautsch, Michelstadt (D)
Galerie Schmalfuß (mit Bodo Korsig und Jürgen Paas), Marburg (D)
2015   ‚Out-Look’ Galerie Robert Drees, Hannover
‚Zwischen den Zeilen’ Galerie Peithner-Lichtenfels, Wien (A)
‚Perception’ Diana Lowenstein Gallery, Miami/FL (US)
‚In Situ’, Museum Katharinenhof, Kranenburg
DIRK SALZ, Galerie Obrist, Essen
2014   ‚Coherence/Interference’, Kunstraum 21, Bonn
‚In Between’, Galerie Obrist, Essen
‚BEYOND’ (Dirk Salz, Andre Schweers), Galerie Schürmann, Kamp-Lintfort
‚TRIPPLE A’, (Dirk Salz, Bodo Korsig, Jürgen Paas), Galerie Roger Katwijk, Amsterdam (NL)
‚deep dives’, Galerie Lausberg, Düsseldorf
Verein für aktuelle Kunst/Ruhrgebiet, (Barbara Dörffler, Wonkun Jun, Dirk Salz)
‚Edges’ (Bodo Korsig, Jürgen Paas, Dirk Salz), Galerie Obrist, Essen
2013   ‚Malerei, Zeichnung, Objekt’, Galerie Kautsch, Michelstadt
2012   Galerie Schürmann, Kamp-Lintfort
‚Objects in resin and glass’, Galerie Roger Katwijk, Amsterdam (NL)
‚Kunststoff’ (Salz/Schmitz-Schmelzer/Laube) Galerie DIS, Maastricht (NL)
‚subjektive Reflexionen’ Galerie Feurstein, Feldkirch (A)
‚Reflexionen’ Galerie Lausberg, Düsseldorf
2011   ‚compactlight‘, Forum Kunst und Architektur, Essen (Salz/Poths)
2010   ‚Recent Paintings‘, Galerie Roger Katwijk, Amsterdam (NL)
‚Unbedingt’, Galerie Kunstraum21, Köln
2009   ‚Transparenz’, Max-Planck-Institut, Mülheim/Ruhr (mit Joachim Poths)
2008   ‚Zeit-Chiffren’, Galerie Kunstraum21, Köln
‚Chiffren des Unsagbaren’, Folkwanghochschule, Essen
2007   ‚Einmal ROT sein’, Bürgermeisterzimmer Mülheim an der Ruhr
2006   ‚Farbe Verdichtung Zeit’, Galerie Lausberg Düsseldorf
‚Die unzähmbare Logik des Widerspruchs’, Kunstpavillon Essen
‚Die höchste Form der Hoffnung’, DAT-GmbH Stuttgart (Ostfildern)
2005   ‚Farbklänge’, Folkwang-Hochschule Essen
2004   ‘Mehrschichtig’, Sparkasse Mülheim an der Ruhr
2003   ‚Hidden’, Cryptovision, Wissenschaftspark Gelsenkirchen
2002   Galerie Kadenz, Mülheim an der Ruhr